Claude Monet sarjast Heinakuhjad. Claude Monet. Optilised efektid

11. september 2012

“Lõuendid on pimestavad ja kahtlemata on neis tunda meistri kätt” Pissarro

Stoga, suve lõpp Giverny'is

1890-1891; 60x100 cm
Musée d'Orsay, Pariis

Heinakuhjade teema maalimisel pole uus; enne Monetit kasutasid seda juba Millet, Gauguin, Pissarro ja Van Gogh - kumbki omal moel. Monet tutvustab kahte uuenduslikku elementi: temaatilist sarja ja viisi valguse nägemiseks. Süstemaatiliselt korraldatud sarja abil on meil võimalus kaaluda sama motiivi erineva valgustuse korral sõltuvalt kellaajast.

Monet soovib oma maalides näidata aja möödumist. Ta kirjutab: “Olen pikka aega töötanud uue sarja kallal, ehkki sel ajal loojub päike kiiresti, et ma ei suuda sellega sammu pidada ... See viib mind meeleheitesse, kuid olen iga kord veendunud oma kannatuste vajalikkuses ja õigustatuses. Ma leian selle, mida otsin: põgus valguse muutus, mis katab taimestikku kõikjal. ”

Heinaküün Giverny lähedal

oKEI. 1889; 60,5x81,5 cm
Puškini muuseum, Moskva

1888. aastal tegi Monet Giverny lähedal heinaküünide visandid. Aasta hiljem naaseb ta selle teema juurde kannatuste perioodil. Mitme kuu jooksul on Claude teinud kõvasti tööd. Ta joonistab suve viimase pimestamisega valgustatud põllud, samad põllud - sügisel punane-punane ja veelgi hiljem - lumega kaetud. Mõne pildi jaoks saab ta pühendada ainult umbes 15 minutit päevas (tema valitud valgustus muutub nii kiiresti); ta naaseb nende juurde iga päev samal kellaajal. Kui ta soovitud tulemust ei saavuta, saab ta vihaseks ja närviliseks, hävitab isegi lõuendid ...

Töö "" peal on Olympia juhtumi tõttu katkenud. 1889. aastal inspireeris Monetit idee osta see maal Manetti lesk, et see Louvre'i kinkida. Ta kuulutab välja fondivalitseja, keda toetab esmakordselt dr Bellio ja kes on armunud impressionismi. Mitu kuud pühendab Monet kogu oma aja ja energia Olümpia eesmärgi edendamisele; ta peab seda oma kohuseks Manetti mälestuseks. Koguti kakssada tuhat franki ja novembris 1890 annetati Olümpia Luxembourgi muuseumile. Maal ilmus Louvre'is alles 1907. aastal.

Muljed oranž ja sinine; Stack

1891; 73x92 cm
Erakollektsioonid

Sellesse ärisse sukeldunud Monetil polnud maalimiseks peaaegu aega jäänud. Lisaks oli 1890. aasta suvi pilves ja vihmane. Alustatud "" lõpeb juba töötoas. Monet lisab mälust oranžid, sinised ja violetsed-roosad toonid.

Uudised kunstimaailmast

Claude Monet. Heinakakk õhtupäikeses, 1891

Kunstimaailmas on tehtud rahvusvaheline avastus. Soome Jyväskyli ülikooli matemaatilise infotehnoloogia teaduskonna teadlased on tõestanud, et Serlachiuse muuseumi kogusse kuuluv maal pealkirjaga "Rick õhtupäikeses" kuulub impressionist Claude Monet'i (1840-1926) pintslisse. Neil õnnestus avastada, et värvikihi alla oli peidetud kunstniku allkiri ja teose valmimise aasta - 1891. Pilti uuriti kunstiteaduste uuringute keskuses hüperspektraalse kaamera abil koos seadmega röntgenfluorestsentsanalüüsiks. Lõuendi pigmentide ja kiudude analüüs kinnitas Claude Monet'i autorsust.
See maal on omandatud varem Londonis, Monet teosena. Ta oli eksponeeritud Graftoni galeriis näitusel ja impressionistide tööde müümisel. Siis kuulus lõuend enam kui poole sajandi jooksul Gesta Serlachiuse kunstifondile ja seda eksponeeriti maalina, mis kuulus arvatavasti Monet pintsli alla. Seni pole aga autorsust õnnestunud kinnitada, kuna sellel pole kunstniku allkirja. Soome avalikes kollektsioonides pole ühtegi muud Monet-maali, mille autentsus on tõestatud.
Maali, mille autorsus on kindlaks määratud, maksumust on raske hinnata, kuid oksjonitel läks Mono teos miljonitesse eurodesse. Sügisel läheb "Heinakuhi õhtupäikeses" Aarhusisse (Taani), ekspositsiooni "Monet ja prantsuse impressionistid".

Claude Moneti allkiri maalil

Sari "Heinakuhjad" on Moné loomingus üks kuulsamaid koos tsüklitega "Vesiroosid" ja "Roueni katedraal", mis on loodud aasta erinevatel aegadel erinevates valgustingimustes. Heinaküüntes on umbes 25 lõuendit, mis on maalitud kunstniku maja lähedal Giverny's. Monet märkas kõndimisel heinaküüne ja palus oma adopteeritud tütrel Blanche Goschedel tuua talle kaks lõuend pilves ja selge ilma jaoks. Kuid siis mõistis ta, et sellest ei piisa kõigi valgusefektide kujutamiseks. Esimese heinakuhila kirjutas Monet 1865. aastal.

Claude Monet. Heinakuhjad Chailly's, 1865

Kunstnik töötas selle teemaga välja omapärasel viisil: ta hakkas maalima ühe vaate korraga mitmele lõuendile. Monet soovis looduse seisundit lühikese aja jooksul edasi anda, nii et ta töötas ühe lõuendi kallal mõnikord mitte rohkem kui pool tundi. Järgmistel päevadel jätkas ta maalimist samas järjestuses, kuni kõik lõuendid olid valmis. 1886. aastal jätkas Monet selle tsükli tööd.

Claude Monet. Virn Giverny, 1886, Ermitaaž

Claude Monet kirjutas Givernyst Gustave Geffroy'le: "Ma töötan kõvasti erinevate valgustusega heinaküünide kallal, kuid praegusel aastaajal loojub päike nii kiiresti, et ei suuda sellega sammu pidada. Hakkasin töötama nii aeglaselt, et mul on lihtsalt meeleheide, kuid mida kaugemale, seda selgemaks ma näen, kui palju on vaja teha tööd selle edastamiseks, mida tahan jäädvustada: "hetkelisus" ja mis kõige tähtsam - atmosfäär ja sellesse valatav valgus. Nüüd olen üha enam haigestunud kõigest, mida tehakse liiga lihtsalt ja kiirustades. vajadus edastada seda, mida ma tunnen, muutub üha nõudlikumaks. Ma palvetan jumalat, et säilitaksin töövõime nii kaua kui võimalik, sest mulle tundub, et ma ikka saavutan edu. "

Claude Monet. Stoga, 1890

1890. aasta sügisel korraldas Monet, et tema maja lähedal olevad heinakuhjad jäetakse talveks. Järgneva paari kuu jooksul kirjutas ta neist sügisel, talvel, kevadel. Alustades vabas õhus töötamist, lõpetas Monet iga lõuendi oma stuudios, saavutades värvide harmoonia, mis annab pildi täielikkuse.

Claude Monet. Hommikul heinaküün, lumeefekt, 1890–1891. Kaunite kunstide muuseum, Boston

Heinakuhjad. Hommikune lumeefekt, 1891

Claude Monet. Heinakuhjad. Valge efekt, 1891

Sari "Heinakuhjad", mis koosnes kahekümne viiest maalist, oli tohutu edu. 1891. aastal eksponeeris Monet Durand-Ruel galeriis selle sarja viisteist maali. Kõik maalid müüdi kolme päevaga. Camille Pissarro kirjutas oma pojale Lucienile saadetud kirjas: "Nad ostavad ainult Monet teoseid, tundub, et neist ei piisa. Kõige hullem on see, et kõik tahavad, et neil oleks" Heinakuhjad päikeseloojangul "... Kõik, mida ta teeb, läheb Ameerikasse hinnaga neli- viis kuni kuus tuhat franki. "

Claude Monet. Heinakuhjad päikeseloojangul, 1891

Monet maalidel kujutatud heinakuhjad näevad vilja erilise ladustamisviisi tõttu ebaharilikud välja. Need koosnevad õlgedest kaetud nisukõrvadest, et kaitsta neid sademete eest. See teravilja säilitamise meetod Normandias tekkis 19. sajandi keskel peksjate puudusest. Ehkki saak koristati juulis, jahvatati mõnes talus viimaste heinaküünide kõrvad sageli alles järgmise aasta märtsiks. Seda heinakuhjade virnastamise meetodit kasutati sada aastat enne kombainide tulekut.

Claude Monet. Heinakuhjad suve lõpus. Hommikuefekt, 1891

Claude Monet. Heinakuhi põllul, 1893

Claude Monet määratles väga täpselt oma rolli kunstiajaloos, öeldes: „Mind on alati teooriast hirmul olnud ... Minu teene seisneb ainult selles, et ma maalisin looduses õigesti, püüdes anda lõuendile kõige põnevamaid efekte ja olen meeleheitel. mis andis alust nimetada kunstnike gruppi impressionistideks, kellest enamikul polnud midagi pistmist impressionismiga ".

Nii kunstnik, keda peetakse "impressionismi isaks" ja kes ütles: "Meie jaoks on maalimine sama, mis lindude laulmiseks", määras ta oma elu lõpuks oma suuna kunsti suunale, mis põhineb üksnes visuaalsetel muljetel ja vähimagi edasiandmisel. värvi ja kuju muutused valguse mõjul.

1880. aastateks hakkasid erinevad kunstnikud, kelle loomingut seostati impressionismiga, valima enda jaoks muid maalimisvorme ja -meetodeid. Niisiis, Camille Pissarro katsetab neoimpressionismi, Auguste Renoir rändab Itaaliasse ja liitub klassikalisema stiiliga ning Claude Monet võetakse seriaaliteoste loomiseks.

Hoolimata asjaolust, et kunstnikud lõid alati ühe stseeni, töötsükli mitu visandit, polnud enne Monetit ühtegi inimest, kes maaliks sama objekti mitu korda erineva valgustuse ja erinevate ilmastikutingimuste korral. Seetõttu on huvitav jälgida, kuidas Claude Monet'i elu jooksul muutus tema suhtumine kujutatud objektidesse.

Maali meistriteosteks saanud sarja idee hakkas kujunema pärast seda, kui oli maalitud mitu vaadet Tuileriesi aiale ja Pariisi Saint-Lazare'i jaamale.

Tuileriesi aed. 1876

1876. aastal kolis Monet koos perega Pariisi, kus tal õnnestus leida korter just Saint-Lazare'i rongijaama lähedal. Aasta hiljem kirjutab ta selle jaama vaadete sarja.

Sari "Gare Saint-Lazare"

Aastal 1877 segas vedur veel teaduse suureks imeks südameid; selle kirjutamine tähendas vastandamist sevremennost traditsioonilistele vormidele ja kompositsioonidele. Kunstnik soovis näidata, et isegi musta auto ja platvormi kohal asuva musta varikatuse saab veenvalt siniseks värvida, et halli maad saab tajuda roheliseks ja isegi suits võib muutuda valguse motiiviks.

Hoolimata süžee staatilisest olemusest, edastab pilt suurepäraselt tugevust, ruumi, kontraste, liikumist. Poleemiline rõhuasetus selles domineerib siiski enne 1870. aastat kirjutatud Moneti maalidele omase vaba taju ees.

Rongid olid Monet jaoks atraktiivsed, kuna nad personifitseerisid ümbritseva maailma pidevalt muutuvat materiaalset keskkonda. Ja süžee sarikaks vormistamine kandis aimu uue elu rütmist, mille lõid süžee variatsioonid, kui neid näitusel järjepidevalt uuriti.

Kunstnikku ei huvitanud raudteejaam kui koht, kus inimesed kohtuvad või lahkuvad; teda paelusid läbi klaaskatuse aurupilvedele valava valguse mõju, vedurite ja vagunite kuju.

On oluline, et sarjas "Gare de Saint-Lazare" maalid täiendavad üksteist, need on omavahel seotud. See eristas sarju omamoodi väljamõeldud ühtsusena kõigist teistest maastike rühmadest, mis on maalitud samas kohas, kuid üksteisest sõltumatult.

Kuid pangem tähele ühte olulist omadust: sarja mõte pole siin väljendatud nii selgelt kui hilisemas Moneti töös. See tähendab, et kõik maalid olid kujutatud umbes ühesugused, kuid asukoht, kunstniku vaatepunkt muutus.

Järgmine märkimisväärne sari pealkirjaga "Heinaküüned" Monet kirjutas 1891. aastal ja see koosnes 22 teosest. Algus oli 1886. aastal maalitud maal "Heinaküün Giverny juures".

Heinaküün Giverny juures. 1886

Võib märgata ühte märkimisväärset omadust - selle kompositsioonilise paigutuse kasutamist plaanide kohaselt, mille Claude Monet varem tagasi lükkas. See on vana traditsiooniline tehnika maastiku pimedast valgust kerimiseks.

Sari "Heinakuhjad". 1888 - 1889

Sari "Heinakuhjad". 1890 - 1891

Heinakuhjade sarja maalid sisaldasid teatavat kompromissi väljakujunenud maastikutraditsiooni ja uue värvilahenduse vahel. Monet kolleegid pidasid neid avalikkuse maitsele järeleandmiseks ja kollektsionäärid tundsid kunstniku töös kohe uut varju ning tormasid üles ostma tema "Heinakuhjad". Nii et varem teada vaid kitsale Pariisi kollektsionääride ja kriitikute ringile, hakkas Claude Monet maalimisstiil maailma vallutama.

Seda sarja iseloomustab kunstniku kasvav ükskõiksus kujutatava objekti suhtes. Ta otsib lihtsamaid vorme, mis on vaid valguse uurimise ettekäändeks.

Arvestades Monet hilisemat tööd, tuleb ette kujutada, milliseid grandioosseid muutusi ühiskonna elus ta oli tunnistajaks. Nooruses hinges ta suurlinna elu õhku, lahustus sinna, jäädvustades selle märke. Vanas eas, olles tunnustatud maalikunstnik, sulges ta end oma kodu Giverny seinte sees, luues seal maalid, mis kõik olid mõeldud samale Pariisile.

Monet teoseeriat ei kujutanud ta enam ette reaktsioonina nähtule ja tunnustusele, vaid isikliku manifestatsioonina Pariisi kunstielus, kui avatud uste päev oli sündmus, mis oleks pidanud paljusid erutama, panema inimesi mõtlema ja rääkima. Subjektiivse printsiibi kasv Monet hilisemas loomingus ei ole ainult tema käitumise kui sellise evolutsioon, vaid see on vastus kunstniku objektiivsele keskkonnale.

Sarja teose ümber loodi legendid, mida Monet ise ei kiirustanud hävitada. Ja väidetavalt teab Monet ise mälestust, kuidas tekkis idee sarja kirjutamiseks. Kunstnik töötas looduses, kuid äkki nägi, et valgustus on muutunud nii palju, et ta ei saanud enam alustatud lõuendit jätkata. Monet palus oma tütrel koju joosta ja tuua uus, kuid mõne aja pärast muutus kõik nii palju, et ta oli sunnitud samas kohas alustama uut lõuendit jne.

Juhtus nii, et ühe motiiviga maaliseeria on vaatluse täpsuse, üksikute hetkede fikseerimise kõrgeim saavutus. Selle vaate järgi on maaliseeria looduse olemasolu staatiliste, külmunud hetkede seeria. See varieeruvuse tunne, looduse üleminekuseisund, mis oli jäljendatud varajase impressionistliku maaliga, sarja ettekujutuses tekkis maalide järjestikuse uurimise käigus. Pole juhus, et kunstnikud üritasid neid eksponeerida ühtse ansamblina.

Alates 90ndate algusest on Monet teostes gravitatsioon teoste sarjastamise suunas kiiresti kasvanud. Selleks ajaks pöördusid maastikusarja poole ka teised impressionistid - Camille Pissarro ja Alfred Sisley. Kuid Monet püüdis oma sarjas luua oma maalimisstiili, mis oleks rafineeritum ja ekspressiivsem kui tehnikate kogum, mida võib nimetada impressionistlikuks maalimisviisiks.

Tema uue maalimisstiili tehnikad ilmnevad juba järgmises sarjas "Poplars", mis kipub kompositsioonilt dekoratiivne olema.

Topoli seeria

Ehkki mitmed paplid on tuntud perspektiivvähendusega ja peaksid justkui sügavale pilti minema, ei jälgi vaataja silm ruumilist arengut, vaid libiseb mööda maali tasapinda. Pole mingit mõtet "kinni püütud" hetkest. "Poplakad" viitavad pigem looduse igavikule ja püsivusele kui selle varieeruvusele.

"Poplarsist" liigub kunstnik teemani, mis näib teda tagastavat valguse ja varju pöörase ja muutuva mängu, aja möödumise vaatlemisele - kirjutab ta sarja "Roueni katedraal".

Roueni katedraali sari

Veebruaris 1892 läks Claude Monet mõneks päevaks Rouenisse, kus kunstniku tähelepanu juhtisid katedraali tohutud lääneseinad. Teda ei huvitanud viis, kuidas valgus fassaadi veidral vormimisel peegeldub. Kunstnik nägi siin jälle sama elavat sära ja lugematuid muutusi valgusefektides, nagu heinakuhjades, kuid muljetavaldavamaid külmunud arhitektuurivormides.

Oma grandioosse plaani elluviimisel tegutses Monet süstemaatiliselt. Toomkiriku lähedal platsi ääres asuvas majas rentis kunstnik ruumi, mille aknast avanes katedraali asümmeetriline külgvaade. Varsti kolis ta oma Roueni maali Givernysse ja ülejäänud aasta ning järgmisel aastal pühendas ta selle lõplikuks valmistamiseks stuudios, varjates oma maalid uteliailta. Korduvalt hävitas ta juba valmis lõuendid ja asendas need teistega, taastades mälust nähtu.

10. mail 1895 avati Durand-Ruelis näitus, kus esitleti Roueni katedraali paarkümmend pilti. Neile eraldati spetsiaalne ruum ja need paigutati skeemi järgi, mille Monet oli eelnevalt hoolikalt välja töötanud - maalid riputati järjestuses, mis reprodutseerib objektide muutusi sõltuvalt valguse muutumisest.

Kuid reaktsioon "Katedraalidele" oli sarnane sellele, mis avalikkuse ees neli aastat tagasi "Heinakuhjades" oli. Publik avaldas taunimist kunstniku suhtes, kes akna taga istudes kordas lõputult sama kiriku, sama teema motiivi. Publik nägi Monet maalides sama katedraali fassaadi, mida korrati kakskümmend korda.

Ja seni, kuni vaataja huvi on suunatud ainult peateema motiivile, jääb selle sarja mõju puhtalt väliseks. Ainult kõiki teemavalikuid järjekindlalt kaaludes saate tunda kunstniku kavatsuse täielikku sügavust, ainult sel juhul avaldub kunstiliste mõjutamisvahendite täielik jõud ja teema vaba ja vaba käsitluse tähendus Monetil, saab selgeks seose teoste ja nende lakooniliste nimede vahel.

Seetõttu võib "Katedraalide" sarja vaadelda kui Monet'i kunstilist manifesti. See näitab, millisele mõjujõule ta suutis oma pildid tuua, milliseid erinevaid efekte ta paletist kaevandas. Lisaks ilmnes neis lõuendites Moneti ükskõiksus süžee vastu senisest palju heledamalt.

Aja jooksul muutusid Monet lahkumised Givernyst üha harvemaks. Ta läks sügavale oma aeda tööle. Kunstnik pööras erilist tähelepanu "veemaastikele" - tiikidele, mis asusid aia erinevates osades. Nii lõi Claude Monet vabaõhuatelje, kus sai teha oma kunstikatseid.

Nüüd mõistis Monet, et ta saab töötada ainult aeglaselt ja hoolikalt. Ta tundis oma tööde kajastamiseks kasvavat vajadust aja ja privaatsuse järele.

Monet-i maaliseeria suurim on nümfide sari - valge vesiroosidega veemaastik, mille kallal kunstnik tööd alustas 1898. aasta alguses ja suurema osa järgmisel aastal täitis ainult tema. Siis katkestas ta naise, et tegeleda teise, üsna suure sarjaga - Themes.

Siin pööras Monet tähelepanu perspektiivi jälgides kõigepealt igavesele udule Londoni kohal.

Monet maalis lõuendile ainult iga maastiku piirjooned, täpselt nagu ta tegi Rouenis "Katedraali" kallal. Kuid nüüd otsis ta pehmeid ja delikaatset piirjooni. Kui varasemal loovuse perioodil valis kunstnik selgete siluetidega, terava struktuuriga motiive ja kandis need kiiresti lõuendile, siis nüüd, vastupidi, valis ta kohad, kus objektid kadusid udusse. Monet vajas Londoni vaateid vaid uue maalikeele tutvustamise ettekäändena.

Ja nagu ka "Katedraalide" puhul, läks Monet sügavale sarja arendamisse Giverny stuudios. Pärast selle sarja töö lõpetamist esitas Monet selle 1904. aastal Durand-Ruelis. Näitus koosnes kolmekümne seitsmest lõuendist, mis jagunes kolme rühma: "Parlamendi hoone", "Charing Risti sild" ja "Waterloo sild".

Parlamendihoone

Waterloo sild

Charing Risti sild

Ja pärast näituse lõppu jätkas Monet tööd Londoni seeria kallal, luues nii uusi versioone kui ka koopiaid. Selle tulemusel sai seeria ülemäära suureks ja ainuüksi Waterloo silla võib arvestada kuni neljakümne hulka.

Kui sai teada, et Monet ei viibinud kohe, vaid alles hiljem, ateljees oma maalide viimistlemisel, olid paljud selle töömeetodi pärast nördinud. Maali vaba paigutus stuudios oli vastuolus üldtunnustatud arvamusega "motiivi kohese tajumise kohta looduses". Ja Monet, kellele kolmkümmend aastat varem tehti noomitus selle eest, et ta töötas alati vabas õhus, oli nüüd sunnitud kuulama etteheiteid, et ta töötab oma ateljees.

1890. aastatel ilmusid esimesed Monet lõuendid, mis olid Thamesi motiivi otsene jätk. Need on valguse ja värvi osas killustatud aspektid, mis on kümne aasta jooksul kasvanud maastike sarjaks üldnimega "Nümfid" ("Vesiroosid").

Monet'i viibimine Veneetsias 1908. aastal tähistab järgmist suurt pausi liiliateemalisel tööl. Veneetsias teeb kunstnik "visandid endale". Ja juba endaga kaasa toodud visandite põhjal lõi Claude Monet stuudios oma elava ja otsese Veneetsia sarja.

San Giorgio Maggiore suurkanal

Palazzo Dario Doge palee

Koju naastes saab kunstnik pessimismi, tema nägemine on väga nõrk ja ta loobus maalimisest. Kuid sõprade nõudmisel asus ta taas tööle ja otsustas oma grandioosse projekti ellu viia. Idee oli hoida kogu nelikümmend kaheksa "veepilti" tervikuna ja "lossisaalis" kõigile avada.

Seda suurt komplekti arvas Monet kui ühe panoraamina; kuid hiljem otsustas ta jagada selle osadeks, millest igaüks koosnes kolmest paneelist. Aja jooksul otsustas ta Prantsuse inimestele panoraami vesiroosidega esitleda. Ta tahtis paigutada mõnda ühiskondlik hoone Pariisis või, mis veelgi parem, spetsiaalselt ehitatud rotundis, mille jaoks ta isegi projekti koostas.

1921. aasta suvel jõudis lõputu paneelide seeria järk-järgult lõpule. Kuid selleks ajaks oli Moneti nägemine nõrgenenud ja tema töövõime oluliselt vähenenud.

Pärast seda on tema maal omandanud punakas varjundi. Viimase paneeli tööd viidi lõpule septembris 1924.

Selleks ajaks oli Monet juba 84-aastane. Ta jõudis oma suure kümneaastase töö lõpuni ja karjääri lõpuni. Nümfide sari oli impresionismi viimane looming.

Sari "Vesiroosid"

Seriaalilisus kui maalikunsti uus nähtus, mis ilmus Claude Monet'i loomingus, juhib tähelepanu impressionismi ajaprobleemile. Pildid-muljed näitavad "kollektiivseid" eluhetki, kuna neis koondab kunstnik maastiku vaatluse tulemused üheks erksaks visuaalseks kujundiks.

Näib, et sellised tähelepandamatud motiivid nagu heinakuhjad, paplid, kuid nendes sarjades kinnitatakse maali sisemist väärtust. Samal ajal on igas seerias üks pilt kui konkreetse motiivi visiooni sümbol - pilt, mis on realiseeritud ja korratud tosina või enama lõiguga kogu tsüklist. Kui asjatundjad ütlevad: "Heinaküün", "Poplars", "Roueni katedraal" - need tähendavad sageli rohkem kui ühte konkreetset pilti sarjast, siis räägime üldistatud pildist, mille on loonud Monet kunstiline kujutlusvõime - pilt sellest, kuidas näete, ja mitte seda, mida nähti.

Soov väljendada väljendamatut, salapära, tundeid nii kõikehõlmavalt, et nad kaotavad oma eripära ja kunstilise veenvuse - kõik see näitab Claude Monetis sama maitset, millest sümbolism sündis. See avaldub kunstnikus aga alateadlikult, kuna see, mis temas impresionismist silma jäi, takistab tal oma uusi ideaale täielikult realiseerida.

* Böömimaa K. G., K. Monet - M., 1984.

* Venturi L. Manetist Lautreci / Per. Sellega. Ts.Kin. - SPb .: Azbuka-klassika, 2007 .-- 352 lk .: ill.

Loodusest sai kutsumuse järgi maastikumaalija Claude Monet (1840–1926) loomingu peateema. Giverny ääres asuv heinaküün on ere näide kunstniku maalilisest stiilist, kes otsib looduses rõõmsat värvide harmooniat. Monet'i kirge päikesevalguse probleemide vastu ei tohiks lahutada tema vaimsest selgusest ja soovist kehastada kunstis looduse elu õitsemist ja sära.

Monet innukas kunstiline ettekujutus tutvustab meile erilist suhet loodusega, pannes vaataja imetlema empaatiat. Ja mida koheselt kunstnik ise jäädvustab ja näeb, seda teravamalt tunnetab vaataja selle kaudu maastikumotiivi ainulaadsust ja originaalsust. See on tema meetodi uuenduse peamine ilming. Omades fenomenaalset värvinägemust, püüdis Monet seda kogu elu arendada, mis võib-olla põhjustas ta silmahaiguse. Meie muuseumi maal on üks Monet sarjast "Heinakuhjad", mille ta lõi 80-ndatel pärast maja ostmist Giverny's. Hetkeks oli heinaküün varjudesse kastetud, omandades ootamatult lilla ja lilla-roosa tooni. Heinamaa vari elab sõna otseses mõttes paljudes värvigranatsioonides, milles roheline võidab, samas kui heinamaa kaugeim osa päikese all heliseb erkkollase värviga.
Monet suudab oma harja otsast haarata mitte ainult päikesevalguse, vaid ka looduse helde helde olemasolu luule. Maal sisenes muuseumi 1948. aastal Moskva Uue Lääne kunsti muuseumist.

Heinakuhjad suve lõpus. Hommikuefekt 1891
60х100cm õli / lõuend
Musée d "Orsay, Pariis

John Rewaldi raamatust "Impressionismi ajalugu":
Monet enda töö on nüüd võtnud uue suuna; see sai ilmsiks, kui ta 1891. aastal näitas Durand-Ruelle viieteistkümne maali seeriat heinakuhjadest erinevatel kellaaegadel. Tema sõnul oletas ta alguses, et objekti edastamiseks erinevates valgustingimustes piisab kahest lõuendist - üks pilves ilma jaoks, teine \u200b\u200bpäikseliseks. Kuid nende heinaküünide kallal töötades avastas ta, et valguse mõjud on pidevas muutumises, ja otsustas hoida kõik need muljed lõuendite seerias, töötades neid järjest, iga lõuend pühendades ühe konkreetse efekti. Sel viisil püüdis ta saavutada seda, mida ta nimetas "hetkelisuseks", ja väitis, et on väga oluline lõpetada ühe lõuendi töötamine niipea, kui tuli muutub, kui ka jätkata järgmisel ", et saada täpset muljet looduse teatud aspektist, mitte aga segapilti. ".
Tema sarjast Stogovs järgnesid samasugused seeriad Poplars, Roueni katedraali fassaadid, vaated Londonile ja tema aia ääres Giverny'is kasvavad vesiroosid. Püüdes metoodiliselt, peaaegu teadusliku täpsusega, jälgida pidevaid valguse muutusi, kaotas Monet taju vahetuse. Nüüd oli ta vastikus "kergetele asjadele, mis luuakse ühe impulsi abil", kuid just nendes "kergetes asjades" avaldus tema kingitus looduse kiirgava hiilguse esmamuljes jäädvustamiseks. Püsivus, millega ta nüüd valgusega konkureeris (sellega seoses kasutas ta ka ise sõna "püsivus"), oli vastuolus tema kogemuste ja andekusega. Kui tema maalid pakuvad sellele probleemile sageli hiilgavat lahendust, jäi probleem iseenesest puhtaks eksperimendiks ja kehtestas ranged piirangud. Pingutades silmi väikseimate muutuste märkamiseks, kaotas ta sageli terviku mõtte. Võttes oma süžee hooletusse äärmusesse, loobus Monet lõpuks vormist ja püüdis kõige peenemate nüansside vormitu kangas hoida ainult maailma imet.

Kaardimängijad on viiest maalist koosnev sari. Paul Cezanne lõi
see sari 1890ndate alguses, kui ta elas Aix Provence'is. Töökohad varieeruvad
suuruse ja kujutatud mängijate arvu järgi. Esines ka Cezanne
palju joonistusi kaardimängijate sarja ettevalmistamiseks. Üks maalidest
Kaardimängijad müüdi 2011. aastal Katari kuninglikule perekonnale hinnaga
250–300 miljonit dollarit ... - Cezanne.rf

Vincent Van Goghi kirjast oma vennale Theole: "Phew! Reaper on täielik. Ma arvan, et see
üks asi, mille oma kodus riputate. See on surmakujutis kujul
mida meile näitab suurepärane looduse raamat, aga ma üritasin pilti öelda
"Peaaegu naeratav" meeleolu. Ta on vanuses kollane - kahvatu ja hele
- kollane, välja arvatud küngaste lilla joon, mis mulle tundub ilus
naljakas - vaatasin maastikku läbi üksiklase aknaava. "
- Van Gogh.rf