Claude Monet mula sa serye ng Haystacks. Claude Monet. Mga epekto ng optical

Setyembre 11, 2012

"Ang mga canvases ay nakasisilaw, at, walang duda, ang kamay ng master ay nadama sa kanila" Pissarro

Haystacks, pagtatapos ng tag-araw sa Giverny

1890-1891; 60x100 cm
Musée d'Orsay, Paris

Ang tema ng mga haystacks sa pagpipinta ay hindi bago; bago ang Monet ay ginamit na ito ng Millet, Gauguin, Pissarro at Van Gogh - bawat isa sa sarili nitong paraan. Monet nagpapakilala ng dalawang makabagong elemento: ang temang pampakay at ang paraan ng nakakakita ng ilaw. Sa tulong ng isang sistematikong serye na inayos, may pagkakataon kaming isaalang-alang ang parehong motibo sa ilalim ng iba't ibang pag-iilaw depende sa oras ng araw.

Nais ni Monet na ipakita ang paglipas ng oras sa kanyang mga kuwadro na gawa. Sumulat siya: "Matagal na akong nagtatrabaho sa isang bagong serye, kahit na sa oras na ito ng taon ang araw ay mabilis na sumisikat, na hindi ko mapananatili ito ... Ito ay humahantong sa aking pag-asa, ngunit sa bawat oras na kumbinsido ako sa pangangailangan at pagbibigay-katwiran ng aking pagdurusa. Mahahanap ko ang hinahanap ko: ang mabilis na pagbabago ng ilaw na sumasaklaw sa mga halaman sa lahat ng dako. "

Haystack malapit sa Giverny

oK. 1889; 60.5x81.5 cm
Pushkin Museum, Moscow

Noong 1888 ginawa ni Monet ang mga sketsa ng mga haystacks na malapit sa Giverny. Pagkaraan ng isang taon, bumalik siya sa paksang ito sa panahon ng pagdurusa. Sa paglipas ng ilang buwan, si Claude ay nagsusumikap. Gumuhit siya ng mga patlang na nag-iilaw sa huling glare ng tag-araw, ang parehong mga patlang - pula-pula noong taglagas, at kahit na sa ibang pagkakataon - natatakpan ng niyebe. Maaari lamang siyang maglaan ng halos 15 minuto sa isang araw sa ilang mga imahe (ang kanyang napiling pag-iilaw ay nagbabago nang mabilis); bumalik siya sa kanila araw-araw sa parehong oras. Nagagalit siya at kinakabahan kapag nabigo siyang makamit ang ninanais na epekto, kahit na sinisira ang mga canvases ...

Ang trabaho sa "" ay nagambala dahil sa kaso ng Olympia. Noong 1889, binigyan ng inspirasyon si Monet sa ideya na bilhin ang pagpipinta na ito mula sa biyuda ni Manet upang ibigay ito sa Louvre. Inanunsyo niya ang isang fundraiser, na unang suportado ni Dr. Bellio, sa pag-ibig na may impressionism. Sa loob ng maraming buwan, itinalaga ni Monet ang lahat ng kanyang oras at lakas sa pagsusulong ng sanhi ng Olympia; itinuturing niyang tungkulin nito ang memorya ni Manet. Dalawang daang libong francs ang nakolekta, at noong Nobyembre 1890 ang Olympia ay naibigay sa Museum ng Luxembourg. Ang pagpipinta ay lumitaw sa Louvre lamang noong 1907.

Mga impression ng Orange at Blue; Stack

1891; 73x92 cm
Pribadong koleksyon

Si Monet, na nalubog sa negosyong ito, ay halos walang naiwang oras para sa pagpipinta. Bilang karagdagan, ang tag-araw ng 1890 ay maulap at maulan. Nagsimula "" natapos na sa workshop. Nagdagdag ang monet ng orange, asul at lila-pink na tono mula sa memorya.

Balita mula sa mundo ng sining

Claude Monet. Isang haystack sa araw ng gabi, 1891

Isang pandaigdigang pagtuklas ang nagawa sa mundo ng sining. Ang mga mananaliksik sa Finnish University ng Jyväskyli Faculty ng Mathematical Information Technology ay napatunayan na ang pagpipinta, na bahagi ng koleksyon ng Serlachius Museum, na pinamagatang "Rick in the Evening Sun", ay kabilang sa brush ng impresyonista na si Claude Monet (1840-1926). Natagpuan nila na natuklasan na sa ilalim ng layer ng pintura ay nakatago ang lagda ng artist at taon ng pagkumpleto ng gawain - 1891. Ang pagpipinta ay pinag-aralan sa Center for the Study of Art gamit ang isang hyperspectral camera na may isang aparato para sa pagsusuri ng pag-ilaw ng X-ray. Ang pagtatasa ng mga pigment at fibers ng canvas ay nakumpirma na ang may akda ng Claude Monet.
Ang pagpipinta na ito ay nakuha nang mas maaga sa London bilang gawain ng Monet. Ipinakita siya sa Gallery ng Grafton sa eksibisyon at pagbebenta ng mga gawa ng Impressionist. Pagkatapos, para sa higit sa kalahati ng isang siglo, ang canvas ay pagmamay-ari ng Art Foundation ng Gösta Serlachius at ipinakita bilang isang pagpipinta, siguro kabilang sa brush ng Monet. Gayunpaman, hanggang ngayon, ang pagpapatunay ay hindi nakumpirma dahil sa kawalan ng lagda ng artist dito. Walang iba pang mga kuwadro na Monet sa mga pampublikong koleksyon ng Finnish na napatunayan na tunay.
Ang gastos ng pagpipinta, ang may-akda na kung saan ay tinutukoy, ay mahirap matantya, ngunit sa mga auction ng mga gawa ni Monet ay nagpunta sa milyun-milyong euro. Sa taglagas, ang "Haystack sa Gabi ng Araw" ay pupunta sa Aarhus (Denmark), sa paglalantad na "Monet at French Impressionists".

Ang lagda ni Claude Monet sa pagpipinta

Ang serye ng Haystacks ay isa sa mga pinakatanyag sa gawa ni Monet, kasama ang mga Water Lilies at Rouen Cathedral cycle, na nilikha sa iba't ibang oras ng taon sa ilalim ng iba't ibang mga kondisyon ng pag-iilaw. Kasama sa mga Haystacks ang tungkol sa 25 mga canvases, na ipininta malapit sa bahay ng artist sa Giverny. Napansin ni Monet ang mga haystacks habang naglalakad at hiniling ang kanyang ampon na si Blanche Goschede na magdala sa kanya ng dalawang canvases para sa maulap at malinaw na panahon. Ngunit pagkatapos ay napagtanto niya na hindi ito magiging sapat upang ilarawan ang lahat ng mga epekto sa pag-iilaw. Ang unang haystack ay isinulat ni Monet noong 1865.

Claude Monet. Haystacks sa Chailly, 1865

Ang artista ay nagtrabaho sa paksang ito sa kakaibang paraan: nagsimula siyang magpinta ng isang view nang sabay-sabay sa maraming mga canvases. Nais ni Monet na maiparating ang estado ng kalikasan sa isang maikling panahon, kaya't nagtrabaho siya sa isang canvas kung minsan nang hindi hihigit sa kalahating oras. Sa mga sumusunod na araw, nagpatuloy siya sa pintura sa parehong pagkakasunud-sunod hanggang sa matapos ang lahat ng mga canvases. Noong 1886, nagpatuloy ang trabaho ni Monet sa ikot.

Claude Monet. Stack sa Giverny, 1886, Hermitage

Si Claude Monet ay sumulat mula kay Giverny hanggang kay Gustave Geffroy: "Nagsusumikap ako sa isang serye ng mga haystacks sa iba't ibang ilaw, ngunit sa oras na ito ng araw ay mabilis na lumipas ang araw na hindi ko napigilan. Sinimulan kong magtrabaho nang dahan-dahan na nawalan ako ng pag-asa, ngunit sa karagdagang, ang mas malinaw na nakikita ko kung gaano karaming trabaho ang dapat gawin upang maiparating ang nais kong makuha: "instant instantness" at, pinaka-mahalaga, ang kapaligiran at ilaw na ibinubuhos dito. Ngayon ay higit ako at mas maraming sakit sa lahat ng bagay na nagawa masyadong madali at nagmadali. ang pangangailangan na maiparating ang nararamdaman ko ay nagiging higit at masigpilit. Nanalangin ako sa Diyos na mapanatili ko ang kakayahang magtrabaho hangga't maaari, dahil sa akin ay makakamit ko pa rin ang tagumpay. "

Claude Monet. Stoga, 1890

Sa taglagas ng 1890, inayos ni Monet ang mga haystacks na malapit sa kanyang bahay na maiiwan para sa taglamig. Sa susunod na ilang buwan isinulat niya ang mga ito sa taglagas, taglamig, tagsibol. Simula na magtrabaho sa bukas na hangin, natapos ni Monet ang bawat canvas sa kanyang pagawaan, nakakamit ang pagkakatugma ng mga kulay, na nagbibigay ng pagkakumpleto ng larawan.

Claude Monet. Isang haystack sa umaga, epekto ng niyebe, 1890-1891. Museum of Fine Arts, Boston

Haystacks. Epekto ng Morning Snow, 1891

Claude Monet. Haystacks. Puti na epekto, 1891

Ang serye na "Haystacks", na binubuo ng dalawampu't limang mga kuwadro, ay isang malaking tagumpay. Noong 1891, ipinakita ni Monet ang labinglimang mga kuwadro na gawa sa seryeng ito sa gallery ng Durand-Ruel. Ang lahat ng mga kuwadro ay ibinebenta sa tatlong araw. Si Camille Pissarro, sa isang liham sa kanyang anak na si Lucien, ay sumulat: "Bumibili lamang sila ng mga gawa ni Monet, tila hindi sila sapat. Ang pinakamasama ay nais ng lahat na magkaroon ng" Haystacks at Sunset "... Lahat ng ginagawa niya ay pupunta sa Amerika para sa presyo ng apat - lima hanggang anim na libong franc. "

Claude Monet. Haystacks sa Sunset, 1891

Ang mga stack na inilalarawan sa mga kuwadro na gawa ni Monet ay mukhang hindi pangkaraniwan dahil sa espesyal na paraan ng pag-iimbak ng butil. Binubuo sila ng mga tainga ng trigo na natatakpan ng dayami upang maprotektahan sila mula sa pag-ulan. Ang pamamaraang ito ng pagpapanatili ng mga butil sa Normandy ay lumitaw mula sa isang kakulangan ng mga threshers sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Bagaman ang ani ay inani noong Hulyo, madalas na ang mga tainga mula sa huling haystacks sa ilang mga bukid ay pinuno lamang ng Marso ng susunod na taon. Ang pamamaraang ito ng pag-stack ng mga haystacks ay ginamit sa loob ng isang daang taon, bago ang pagdating ng mga ani.

Claude Monet. Haystacks sa huli ng tag-araw. Ang Epekto ng Umaga, 1891

Claude Monet. Haystack sa isang bukid, 1893

Claude Monet na tumpak na tinukoy ang kanyang papel sa kasaysayan ng sining, na sinasabi: "Palagi akong natatakot sa teorya ... Ang aking merito ay namamalagi lamang sa katotohanan na pininturahan ko nang likas ang kalikasan, sinusubukan kong iparating ang pinaka-mabilis na epekto sa canvas, at desperado ako. na nagbigay dahilan upang tawagan ang isang grupo ng mga artista na Impressionist, na ang karamihan sa kanila ay walang kinalaman sa Impressionism. "

Kaya, ang artista, na itinuturing na "ama ng impressionism" at nagsabi: "Para sa amin, ang pagpipinta ay kapareho ng pag-awit ng mga ibon," na tinutukoy sa pagtatapos ng kanyang buhay ang kanyang pananaw sa direksyon sa sining, na batay lamang sa mga visual na impression at paghahatid ng bahagya. mga pagbabago sa kulay at hugis sa ilalim ng impluwensya ng ilaw.

Pagsapit ng 1880s, ang iba't ibang mga artista na ang gawain ay nauugnay sa impresyonismo ay nagsimulang pumili para sa kanilang sarili ng iba pang mga porma at pamamaraan ng pagpipinta. Kaya, ang mga eksperimento sa Camille Pissarro na may neo-impressionism, si Auguste Renoir ay naglalakbay sa Italya at sumali sa isang mas klasikal na istilo, at ang Claude Monet ay kinuha upang lumikha ng mga serial works.

Sa kabila ng katotohanan na ang mga artista sa lahat ng oras ay lumikha ng isang bilang ng mga sketsa ng isang eksena, mga siklo ng trabaho, bago ang Monet ay walang isang solong na magpinta ng parehong bagay nang maraming beses sa ilalim ng magkakaibang pag-iilaw at iba't ibang mga kondisyon ng panahon. Samakatuwid, ito ay kagiliw-giliw na sundin kung paano sa panahon ng buhay ni Claude Monet ang kanyang pag-uugali sa mga itinatanghal na bagay ay nagbago.

Ang ideya ng serye, na nakatakdang maging mga masterpieces ng pagpipinta, ay nagsimulang mabuo pagkatapos ng pagpipinta ng ilang mga pananaw sa Tuileries Garden at istasyon ng Paris Saint-Lazare.

Tuileries Hardin. 1876

Noong 1876, lumipat si Monet kasama ang kanyang pamilya sa Paris, kung saan namamahala siya upang makahanap ng isang apartment malapit sa istasyon ng tren ng Saint-Lazare. Makalipas ang isang taon, nagsusulat siya ng isang serye ng mga pananaw sa istasyong ito.

Serye na "Gare Saint-Lazare"

Noong 1877, pinukaw pa rin ng lokomotibo ang mga puso bilang isang mahusay na himala ng agham; upang isulat ito ay nangangahulugang tutulan ang katotohanan ng sevremennost sa tradisyonal na mga form at komposisyon. Nais ng artist na ipakita na kahit isang itim na kotse at isang itim na canopy sa isang platform ay maaaring kumbinsido na ipininta sa asul, na ang kulay abo na lupa ay maaaring makitang bilang berde, at kahit na ang usok ay maaaring maging isang motibo para sa ilaw.

Sa kabila ng static na kalikasan ng isang lagay ng lupa, ang larawan ay perpektong nagbibigay ng kapangyarihan, puwang, kaibahan, kilusan. Gayunpaman, ang polemical diin sa ito ay nanaig sa malayang pagdama na likas sa mga kuwadro na gawa ni Monet, na isinulat bago ang 1870.

Ang mga tren ay kaakit-akit kay Monet dahil isinapersonal nila ang patuloy na pagbabago ng materyal na kapaligiran ng nakapaligid na mundo. At ang paglalahad ng isang lagay ng lupa sa isang serye ay nagdala ng isang kahulugan ng ritmo ng isang bagong buhay, na nilikha ng mga pagkakaiba-iba ng balangkas sa kanilang sunud-sunod na pagsusuri sa eksibisyon.

Ang artista ay hindi interesado sa istasyon ng tren bilang isang lugar kung saan ang mga tao ay nagkikita o umalis; nabighani siya sa epekto ng ilaw na nagbubuhos sa bubong ng bubong papunta sa mga puffs ng singaw, sa pamamagitan ng mga hugis ng mga lokomotibo at karwahe.

Mahalaga na sa seryeng "Gare de Saint-Lazare" ang mga kuwadro na gawa sa isa't isa, magkakaugnay sila. Nakilala nito ang serye bilang isang uri ng ipinagsama na pagkakaisa mula sa anumang iba pang grupo ng mga landscapes na ipininta sa parehong lugar, ngunit nang nakapag-iisa sa bawat isa.

Ngunit tandaan natin ang isang mahalagang tampok: ang ideya ng serye ay ipinahayag dito na hindi pa malinaw nang malinaw tulad ng sa huli na gawain ng Monet. Iyon ay, ang lahat ng mga kuwadro na inilalarawan ng halos pareho, ngunit ang lokasyon, ang punto ng view ng artist, ay nagbago.

Ang susunod na makabuluhang serye, na pinamagatang "Haystacks" Monet ay sumulat noong 1891, at binubuo ito ng 22 na gawa. Nagsimula ito sa pagpipinta na "Haystack at Giverny" noong 1886.

Haystack sa Giverny. 1886

Ang isang kapansin-pansin na tampok ay maaaring mapansin - ang paggamit ng compositional pag-aayos ayon sa mga plano, na tinanggihan ng Claude Monet. Ito ang luma, tradisyunal na pamamaraan ng pag-alis ng isang tanawin mula sa madilim hanggang sa ilaw.

Serye na "Haystacks". 1888 - 1889

Serye na "Haystacks". 1890 - 1891

Ang mga pintura mula sa serye ng Haystacks ay naglalaman ng isang tiyak na kompromiso sa pagitan ng isang itinatag na tradisyon ng landscape at isang bagong scheme ng kulay. Ang mga kasamahan ni Monet ay nakilala ang mga ito bilang isang konsesyon sa panlasa ng publiko, at ang mga nangongolekta ay agad na nakaramdam ng isang bagong lilim sa gawain ng artista at nagmadali upang bilhin ang kanyang "Haystacks". Kaya, nauna nang nakilala lamang sa isang makitid na bilog ng mga kolektor at kritiko ng Paris, ang pighati na paraan ng Claude Monet ay nagsimulang lupigin ang mundo.

Ang seryeng ito ay nailalarawan ng lumalagong kawalang-interes ng artist sa itinatanghal na bagay. Naghahanap siya para sa pinakasimpleng mga form na nagsisilbi lamang bilang isang angkop para sa pag-aaral ng ilaw.

Isinasaalang-alang ang huli na gawain ng Monet, dapat isipin ng isa kung ano ang magagandang pagbabago sa buhay ng lipunan na kanyang nasaksihan. Sa kanyang kabataan, siya ay huminga ng hangin ng buhay ng metropolitan, natunaw sa loob nito, kinukuha ang mga palatandaan. Sa kanyang katandaan, bilang isang kilalang pintor, isinara niya ang kanyang sarili sa loob ng mga dingding ng kanyang bahay sa Giverny, lumilikha ng mga kuwadro, na lahat ay inilaan para sa parehong Paris.

Ang serye ng mga gawa ni Monet ay hindi na ipinaglihi sa kanya bilang isang reaksyon sa kanyang nakita at kinikilala, ngunit bilang kanyang personal na paghahayag sa buhay na artistikong Paris, kapag ang Opening Day ay isang kaganapan na dapat na ikinatuwa ng marami, gumawa ng mga tao na mag-isip at magsalita. Ang paglaki ng subjective na prinsipyo sa kalaunan na gawain ni Monet ay hindi lamang isang ebolusyon ng kanyang pamamaraan tulad nito, ito ay tugon sa layunin ng artista ng artista.

Ang mga alamat ay nilikha sa paligid ng trabaho sa serye, na si Monet mismo ay hindi nagmadali upang sirain. At ang memorya ng Monet mismo ay sinasabing kilala tungkol sa kung paano ang mismong ideya ng pagsulat ng serye ay lumitaw. Ang artista ay nagtatrabaho sa likas na katangian, ngunit biglang nakita na ang ilaw ay nagbago nang labis upang hindi na niya maipagpatuloy ang canvas na sinimulan niya. Hiniling ni Monet sa kanyang anak na babae na tumakbo sa bahay at magdala ng bago, ngunit pagkatapos ng ilang sandali ang lahat ay nagbago nang labis kaya napilitan siyang magsimula ng isang bagong canvas sa parehong lugar, atbp.

Ito ay nangyari na ang isang serye ng mga larawan na may isang motibo ay ang pinakamataas na tagumpay ng kawastuhan ng pagmamasid, ang pag-aayos ng mga indibidwal na sandali. Ayon sa pananaw na ito, isang serye ng mga kuwadro na gawa ay isang serye ng static, frozen na sandali ng pagkakaroon ng kalikasan. Ang pakiramdam ng pagkakaiba-iba, isang kalagayang palipat-lipat ng kalikasan, na naipinta sa maagang impressionistic painting, sa pang-unawa sa serye ay lumitaw sa sunud-sunod na pagsusuri ng mga kuwadro na gawa sa isa't isa. Hindi sinasadya na hinahangad ng mga artista na ipakita ang mga ito bilang isang solong ensemble.

Dahil sa simula ng 90s, sa gawain ni Monet, ang gravitation patungo sa serialization ng mga gawa ay mabilis na lumalaki. Sa oras na ito, ang iba pang mga impressionista ay bumaling sa serye ng landscape - sina Camille Pissarro at Alfred Sisley. Ngunit sa kanyang serye, nagsikap si Monet na lumikha ng kanyang sariling istilo ng pagpipinta, mas pino at nagpapahayag kaysa sa hanay ng mga pamamaraan na maaaring tawaging isang impressionistic na paraan ng pagpipinta.

Ang mga pamamaraan ng kanyang bagong estilo ng pagpipinta ay isiniwalat na sa susunod na serye na "Poplars", na may posibilidad na maging pandekorasyon sa komposisyon.

Mga serye ng Topol

Kahit na ang isang bilang ng mga poplars ay nai-render sa isang tiyak na pagbawas ng pananaw at, tulad ng dati, ay dapat na malalim sa larawan, ang mata ng manonood ay hindi sumusunod sa pag-unlad ng spatial, ngunit ang mga slide sa kahabaan ng eroplano ng pagpipinta. Walang kahulugan ng isang "nakunan" na sandali. Ang "Poplars" ay mas malamang na iminumungkahi ang kawalang-hanggan at pagkakaroon ng kalikasan kaysa sa tungkol sa pagkakaiba-iba nito.

Mula sa Topol, ang artist ay lumipat sa isang tema na tila ibabalik sa kanya ang pag-obserba ng kakaiba at pagbabago ng paglalaro ng ilaw at anino, ang paglipas ng oras, - isinusulat niya ang serye ng Rouen Cathedral.

Rouen Cathedral series

Noong Pebrero 1892, nagpunta si Claude Monet sa Rouen ng ilang araw, kung saan ang pansin ng artist ay iginuhit sa malaking mga pader ng kanluran ng katedral. Hindi siya interesado sa paraang naaaninag ang ilaw sa kakaibang paghubog ng harapan. Nakita muli ng artist dito ang parehong matingkad na kinang at hindi mabilang na mga pagbabago sa mga epekto ng pag-iilaw, tulad ng sa mga haystacks, ngunit mas kahanga-hanga sa mga palamig na arkitektura.

Sa pagsasakatuparan ng kanyang dakilang plano, kumilos nang sistematiko si Monet. Sa bahay sa parisukat na malapit sa katedral, umarkila ang artista ng isang silid, mula sa bintana kung saan binuksan ang isang kawalaan ng simetrya sa katedral. Hindi nagtagal ay inilipat niya ang kanyang pagpipinta ng Rouen kay Giverny at ang natitirang taon at sa susunod na taon ay itinalaga niya ito sa pagwawakas sa studio, itinago ang kanyang mga pintura mula sa mga mata ng prying. Paulit-ulit niyang sinira ang mga natapos na canvases at pinalitan ang mga ito sa iba, naibalik ang nakita niya mula sa memorya.

Noong Mayo 10, 1895, binuksan ang isang eksibisyon sa Durand-Ruel, kung saan ipinakita ang dalawampung larawan ng Rouen Cathedral. Ang isang espesyal na silid ay inilalaan para sa kanila, at inilagay sila ayon sa isang pamamaraan na maingat na binuo ni Monet - ang mga kuwadro ay nakabitin sa isang pagkakasunud-sunod na nagbubunga ng mga pagbabago sa mga bagay depende sa mga pagbabago sa ilaw.

Ngunit ang reaksyon sa "Cathedrals" ay katulad sa isa na naranasan ng publiko sa "Haystacks" apat na taon na ang nakalilipas. Ipinahayag ng tagapakinig ang kanilang hindi pagsang-ayon sa artist, na, nakaupo sa bintana, walang katapusang inulit ang motibo ng parehong simbahan, ang parehong tema. Nakita ng publiko sa mga kuwadro na gawa ni Monet ang parehong harapan ng katedral, na paulit-ulit dalawampung beses.

At hangga't ang interes ng manonood ay nakadirekta lamang sa motibo ng pangunahing tema, ang epekto ng seryeng ito ay nananatiling puro panlabas. Sa pamamagitan lamang ng patuloy na pagsasaalang-alang sa lahat ng mga pagkakaiba-iba ng tema maaari mong maramdaman ang buong lalim ng hangarin ng artist, sa ilalim ng kondisyong ito ang buong kapangyarihan ng artistikong paraan ng impluwensya ay ipapakita at ang kahulugan ng libre at libreng paggamot ng Monet ng paksa, ang koneksyon sa pagitan ng mga gawa at kanilang mga laconic na pangalan ay magiging malinaw.

Samakatuwid, ang serye ng "Cathedrals" ay maaaring ituring bilang artistikong manifesto ni Monet. Ipinapakita nito kung anong puwersa ng impluwensya ang nagawa niyang dalhin ang kanyang mga imahe, kung anong iba't ibang mga epekto na nakuha niya mula sa palette. Bilang karagdagan, sa mga canvases na ito, ang kawalang-malasakit ni Monet sa balangkas ay inihayag nang mas maliwanag kaysa sa dati.

Sa paglipas ng panahon, ang pag-alis ni Monet mula kay Giverny ay naging mas madalang. Malalim siyang nagtatrabaho sa kanyang hardin. Binibigyang pansin ng artist ang mga "water landscapes" - mga lawa, na matatagpuan sa iba't ibang bahagi ng hardin. Kaya lumikha Claude Monet ng isang open-air atelier, kung saan maaari niyang maisagawa ang kanyang mga eksperimento sa artistikong.

Ngayon natanto ni Monet na maaari lamang siya gumana nang dahan-dahan at maingat. Nakaramdam siya ng isang lumalagong pangangailangan para sa oras at pag-iisa upang sumalamin sa kanyang mga gawa.

Ang pinakamalaki sa serye ng pagpipinta ng Monet ay ang serye ng Nymphs - isang tanawin ng tubig na may mga liryo ng puting tubig, na sinimulan ng artista sa unang bahagi ng 1898, at ang pangunahing bahagi ng susunod na taon ay napuno lamang sa kanya. Pagkatapos siya ay nagambala sa kanya upang harapin ang isa pa, sa halip malaking serye - "Thames".

Narito muna si Monet sa lahat na nakabukas ang kanyang pansin sa walang hanggang ulap sa London, na nagmamasid sa pananaw.

Ipininta lamang ni Monet sa canvas ang mga contour ng bawat landscape, tulad ng ginawa niya sa Rouen, nagtatrabaho sa "Cathedral". Ngunit ngayon naghahanap siya ng malambot at pinong mga balangkas. Kung sa isang mas maagang panahon ng pagkamalikhain pinili ng artist ang mga motif na may malinaw na mga silhouette, matalim sa istraktura, at mabilis na inilipat ang mga ito sa canvas, ngayon, sa kabilang banda, pinili niya ang mga lugar kung saan nawala ang mga bagay sa hamog na ulap. Kinakailangan lamang ng Monet ang pagtingin sa London lamang bilang isang hudyat para sa pagpapakilala ng isang bagong wika ng pagpipinta.

At tulad ng sa "Cathedrals", malalim na napunta si Monet sa pag-unlad ng serye sa studio sa Giverny. Matapos makumpleto ang seryeng ito, ipinakita ito ni Monet noong 1904 sa Durand-Ruel. Ang eksibisyon ay binubuo ng tatlumpu't pitong kuwadro, na nahahati sa tatlong pangkat: "Parliament Building", "Charing Cross Bridge" at "Waterloo Bridge".

Gusali ng Parliamento

Tulay ng Waterloo

Charing Cross Bridge

At pagkatapos ng pagtatapos ng eksibisyon, nagpatuloy ang trabaho ni Monet sa London Series, na lumilikha ng parehong mga bagong bersyon at mga replika. Bilang isang resulta, ang serye ay naging hindi mapag-aalinlangan, at ang Waterloo Bridge lamang ay mabibilang hanggang sa apatnapu.

Nang malaman na hindi kaagad si Monet, ngunit kalaunan, sa kanyang studio, na tinatapos ang kanyang mga kuwadro, marami ang nagalit sa pamamaraang ito ng trabaho. Ang malayang pagsasaayos ng pagpipinta sa studio ay sumasalungat sa pangkalahatang tinanggap na opinyon tungkol sa "instant na pagdama ng motibo sa kalikasan." At si Monet, na tatlumpung taon nang mas maaga ay sinaway dahil sa palaging nagtatrabaho sa bukas na hangin, ay napilitang makinig sa mga saway na siya ay gumagana sa kanyang atelier.

Noong 1890s, lumitaw ang mga unang canvases ni Monet, na isang direktang pagpapatuloy ng motif ng Thames. Ito ay mga fragmentary na aspeto sa ilaw at kulay, na sa paglipas ng isang dekada ay lumago sa isang serye ng mga landscapes sa ilalim ng pangkalahatang pangalan na "Nymphs" ("Water Lilies").

Ang pananatili ni Monet sa Venice noong 1908 ay nagmamarka sa susunod na malaking pahinga mula sa trabaho sa mga liryo. Sa Venice, ang artist ay gumagawa ng "mga sketch para sa kanyang sarili." At sa batayan ng mga sketch na dinala niya sa kanya, nilikha ni Claude Monet ang kanyang buhay at direktang serye ng Venetian sa studio.

San Giorgio Maggiore Grand Canal

Palazzo Dario Doge's Palace

Sa pag-uwi sa bahay, ang artista ay tinagumpay ng pesimismo, ang kanyang paningin ay mahina at pinabayaan niya ang lahat ng pag-iisip ng pagpipinta. Ngunit sa pagpilit ng mga kaibigan, muli siyang nagtatrabaho at nagpasyang ipatupad ang kanyang napakagandang proyekto. Ang ideya ay upang mapanatili ang buong serye ng apatnapu't walong "mga watercapes" sa kabuuan at maipakita sa "palasyo ng palasyo" bukas sa lahat.

Ang malaking dekorasyong ito ay naisip ng Monet bilang isang solong panorama; ngunit kalaunan ay nagpasya siyang hatiin ito sa mga bahagi, na ang bawat isa ay binubuo ng tatlong mga panel. Sa paglipas ng panahon, nagpasya siyang ipakita ang panorama na may mga liryo ng tubig sa mga Pranses. Nais niyang mailagay sa ilan pampublikong gusali sa Paris o, mas mahusay, sa isang espesyal na binuo rotunda, kung saan gumawa pa siya ng isang proyekto.

Sa tag-araw ng 1921, isang walang katapusang serye ng mga panel ang unti-unting lumapit. Ngunit sa oras na ito ang paningin ni Monet ay humina at ang kanyang kapasidad sa pagtatrabaho ay lubhang nabawasan.

Mula noon, ang kanyang pagpipinta ay nakakuha ng isang mapula-pula na tint. Natapos ang trabaho sa huling panel noong Setyembre 1924.

Sa oras na ito, si Monet ay nasa edad na 84. Dumating siya sa pagtatapos ng kanyang mahusay na sampung taong trabaho at sa pagtatapos ng kanyang karera. Ang serye ng Nymphs ay ang pinakabagong paglikha ng impressionism.

Serye na "Water lilies"

Ang pagiging serial bilang isang bagong kababalaghan ng pagpipinta, na lumitaw sa gawain ng Claude Monet, ay nakakakuha ng pansin sa problema ng oras sa impresyonismo. Ang mga larawan-impression ay nagpapakita ng "kolektibong" mga sandali ng buhay, dahil sa kanila ang artista ay nagbibigay ng mga resulta ng kanyang pag-obserba ng tanawin sa isang matingkad na imahe ng visual.

Tila na ang gayong hindi kapani-paniwalang mga motibo tulad ng mga haystacks, poplars, ngunit sa mga seryeng ito, napatunayan ang intrinsic na halaga ng isang pagpipinta. Kasabay nito, sa bawat serye mayroong isang imahe bilang isang simbolo ng pangitain ng isa o iba pang motibo - isang imahen na materyalized at nag-replicate sa isang dosenang o higit pang mga canvases ng buong cycle. Kapag sinabi ng mga connoisseurs: "Haystack", "Poplars", "Rouen Cathedral" - madalas silang nangangahulugang higit sa isang tiyak na larawan mula sa isang serye, pinag-uusapan natin ang tungkol sa isang pangkalahatang imahe na nilikha ng artistikong imahinasyon ni Monet - isang imahe ng kung paano mo makita, at hindi ang nakita.

Ang pagnanais na maipahayag ang hindi maipaliwanag, misteryo, damdamin kaya't lahat ng pagyakap na nawala ang kanilang konkretong karakter at ang kanilang masining na panghihikayat - lahat ng ito ay isinisiwalat sa Claude Monet ang parehong lasa kung saan ipinanganak ang simbolismo. Gayunpaman, ipinapakita nito ang sarili sa artist na walang malay, dahil kung ano ang nananatili sa kanya mula sa impresyonista ay pinipigilan siyang ganap na mapagtanto ang kanyang mga bagong idealidad.

* Bohemian K.G., K. Monet. - M., 1984.

* Venturi L. Mula sa Manet hanggang Lautrec / Per. Kasama. Ts.Kin. - SPb .: Azbuka-classic, 2007 .-- 352 p .: may sakit.

Ang kalikasan ay naging pangunahing tema ng akda ni Claude Monet (1840-1926), isang pintor ng landscape sa pamamagitan ng bokasyon. Ang Haystack sa Giverny ay isang napakatalino na halimbawa ng painterly style ng isang artist na naghahanap ng isang masayang pagsasama-sama ng mga kulay sa kalikasan. Ang pagnanasa ni Monet sa mga problema ng sikat ng araw ay hindi dapat ihiwalay sa kanyang espirituwal na kalinawan at pagnanais na makisama sa sining ang pamumulaklak at ningning ng buhay ng kalikasan.

Ang masigasig na artistikong pang-unawa ni Monet ay nagpapakilala sa atin sa isang espesyal na kaugnayan sa kalikasan, na nagiging sanhi ng paghanga sa manonood ng empatiya. At nang mas agad na nakunan at nakita ng mismong artista, ang higit na lubos na nararamdaman ng manonood sa pamamagitan ng pagiging natatangi at pagka-orihinal ng motif ng landscape. Ito ang pangunahing pagpapakita ng pagbabago ng kanyang pamamaraan. Ang pagkakaroon ng isang kamangha-manghang paningin ng kulay, si Monet ay nagsikap upang mabuo ito sa buong buhay niya, na, marahil, ay sanhi ng kanyang sakit sa mata. Ang pagpipinta ng aming museyo ay isa sa serye ng Monet na "Haystacks", nilikha ng kanya noong 80s pagkatapos bumili ng bahay sa Giverny. Sa isang iglap, ang haystack ay nalubog sa lilim, nakakakuha ng hindi inaasahang lilac at lilac-pink na tono. Ang anino sa parang ay literal na naninirahan sa maraming mga kulay ng kulay, kung saan ang mga berdeng panalo, habang ang malayong bahagi ng halaman sa ilalim ng araw ay may singsing na dilaw.
Pinamamahalaan ni Monet na kunin ang dulo ng kanyang brush hindi lamang sikat ng araw, kundi pati na rin ang tula ng maliwanag na mapagbigay na pagkakaroon ng kalikasan. Ang pagpipinta ay pumasok sa museo noong 1948 mula sa State Museum of New Western Art sa Moscow.

Haystacks sa huli ng tag-araw. Epekto ng umaga 1891
60х100cm langis / canvas
Musée d "Orsay, Paris

Mula sa librong "History of Impressionism" ni John Rewald:
Ang sariling gawain ni Monet ay nakakuha na ng bagong direksyon; naging maliwanag ito noong, noong 1891, ipinamalas niya sa Durand-Ruelle ang isang serye ng labinlimang mga kuwadro na naglalarawan ng mga haystacks sa iba't ibang oras ng araw. Ayon sa kanya, ipinapalagay niya sa simula na ang dalawang canvases ay sapat na upang maihatid ang isang bagay sa ilalim ng iba't ibang mga kondisyon ng pag-iilaw - ang isa para sa maulap na panahon, ang iba pa para sa maaraw. Ngunit habang nagtatrabaho sa mga haystacks na ito, natuklasan niya na ang mga epekto ng ilaw ay patuloy na nagbabago, at nagpasya na panatilihin ang lahat ng mga impression na ito sa isang bilang ng mga canvases, nagtatrabaho sa kanila sa pagliko, sa bawat canvas na nakatuon sa isang tiyak na epekto. Sa ganitong paraan, sinubukan niyang makamit ang tinatawag na "instant instantness" at nagtalo na napakahalaga na itigil ang pagtatrabaho sa isang canvas sa sandaling magbago ang ilaw, at magpatuloy sa susunod, "upang makakuha ng isang tumpak na impression ng isang tiyak na aspeto ng kalikasan, at hindi isang halo-halong larawan. ".
Ang kanyang serye ng Stogovs ay sinundan ng magkatulad na serye ng Poplars, ang facades ng Rouen Cathedral, pananaw ng London at ang mga liryo ng tubig na lumalaki sa lawa ng kanyang hardin sa Giverny. Sa isang pagsisikap na pamamaraan, halos sa kawastuhan ng siyentipiko, obserbahan ang patuloy na pagbabago ng ilaw, nawala ang Aget ng pagdududa. Ngayon siya ay naiinis sa mga "maliliit na bagay na nilikha sa isang solong salakay", ngunit sa mga "magaan na bagay" na ito ay ipinakita ang kanyang regalo upang makuha ang nakasisilaw na kaluwalhatian ng kalikasan sa unang impression. Ang katigasan ng ulo na kung saan siya ngayon ay nakipagkumpitensya sa ilaw (sa koneksyon na ito siya mismo ang gumamit ng salitang "katigasan") ay tumatakbo sa kanyang karanasan at talento. Habang ang kanyang mga kuwadro ay madalas na nagbibigay ng isang mahusay na solusyon sa problemang ito, ang problema mismo ay nanatiling purong eksperimento at ipinataw ang mahigpit na mga paghihigpit. Pagwawasto ng kanyang mga mata upang mapansin ang pinakamaliit na pagbabago, madalas niyang nawala ang kahulugan ng buo. Sa kanyang pagpapabaya sa balangkas sa sukdulan, sa wakas ay pinabayaan ni Monet ang porma at sinubukan lamang na mapanatili lamang ang kamangha-mangha sa mundo sa walang hugis na tela ng pinakamagandang mga nuances.

Ang Mga Player ng Card ay isang serye ng limang mga kuwadro na gawa. Lumikha si Paul Cezanne
ang seryeng ito sa unang bahagi ng 1890s, nang siya ay nanirahan sa Aix Provence. Iba-iba ang mga trabaho
ayon sa laki at sa bilang ng mga manlalaro na inilalarawan. Gumanap din si Cezanne
maraming mga guhit bilang paghahanda para sa serye ng Mga Player ng Card. Isa sa mga kuwadro na gawa
Ang Card Player ay nabili noong 2011 sa pamilya ng Qatar ng isang presyo ng
$ 250 milyon hanggang $ 300 milyon ... - Cezanne.rf

Mula sa isang liham mula kay Vincent Van Gogh sa kanyang kapatid na si Theo: "Phew! Kumpleto ang manghuhuli. Sa palagay ko ito
isa sa mga bagay na mai-hang mo sa bahay. Ito ang imahe ng kamatayan sa form sa
kung ano ang ipinapakita sa amin ng mahusay na aklat ng kalikasan, ngunit sinubukan kong sabihin sa larawan
"Halos ngumiti" kalooban. Siya ay may edad na dilaw - maputla at magaan
-Sama, maliban sa mga lilang linya ng mga burol, na tila medyo sa akin
nakakatawa - Tumitingin ako sa tanawin sa pamamagitan ng hadlang na bintana ng isang kalungkutan. "
- Van Gogh.rf